Jerry Lewis in Cinderfella - 1960

This is a short paper about the film, originally wrote by myself  in spanish. I can't translate it complete, so, I give here a summary (pardon my poor english)

About the film
Cinderfella was released on 16 december 1960, becoming an instantaneous blockbuster since the public was anxious to watch the new "romantic fairy tale revisited" (as well as also the soundtrack launched simultaneously).Directed by Frank Tashlin, with Ed Wynn, Judith Anderson, Henry Silva, Robert Hutton and Ana María Alberghetti. Produced by Jerry Lewis. Script: Frank Tashlin. 90 minutes running time.

With an impressive première, held in Chicago on 22 november 1960, Lewis set up his charismatic vision about how to please his fans, arriving to the festival in a "pumpkin carriage", meeting the lovely Cinderella...whom hit his head with the magic wand investing him of magical charm.

And was a blast.
Nominée to Golden Laurel Award for Best Actor, Jerry Lewis won the fourth place.

With amazing wardrobe design of Edith Head, the legendary Paramount's designer, who made dozens of incredible suits, the Count Basie Orchestra, the luxurious plateau, the sensational locations in Bel Air (Polo and Golf Club scenes in Will Rogers State Historic Park near Santa Monica and Holmby Park in Los Angeles) the movie combines fantasy, comedy and naif romance. 

Damn stairs!: the sets have stairs anywhere, in the paradisiac mansion (the Kirkeby's, in 750 Saint Cloud Road, Bel Air), in the ballroom (the entrance and the exit) (Paramount). It was Lewis's nightmare. After several reharsals, up stair and down stair, when the ball scene was shot in Paramount Studios and

when the clock warned him he rushed up the 63 steps of the staircase in seven seconds, and
 collapsed. The bodyguard Fritz Hawks at the time guarding a chest of jewels valued at fifty thousand dollars, ran desperately for oxygen and took Lewis to the hospital.

Doe to the overexercise because of Jerry spent four days observing and filming delayed two weeks after which he returned to the set and ended with shots.

After legal struggles with Walt Disney who claimed for the use of the term and concept "Cinderfella" close to his "Cinderella", and another legal incident over the "diner scene at the huge table", which allegedly was written by Cy Howard in 1953 for duo with Dean Martin, suddenly ended when  the Paramount's lawyers buffet presented some evidences favoring the writer, the production was done. 

But it was not the dream movie that Lewis once dreamt. 

Although the good critics and unconditional love from his fans, the movie had several problems. 

Ed Wynn who played the role of fairy godfather, was completely wasted and after a vaste edition, some of his scenes were deleted and at the plot's end, he dissapears at all. 

The charming Fella, conceived by Lewis itself, dragged a lot of critics among the media. No romanticism, no sensual approaching to the Princess, dissapointed the female audience, not matter how many times Lewis emphasized his love for children, most of his public at this time were women! 

His conception of "charmed Fella" is an old man (the shadow of his father) without any emotion, just playing the role as an archetype. His manners and customs are those of a simple guy that is mocked all the time for a terrible family, clowning with his crazy faces and gestures, but moody, naif. 

Judith Anderson made a good play as the stepmother and we can say that is all about. Ana Maria Alberghetti as the Princess Charming, fits well in the role, even the reminiscenses with Audrey Hepburn, the italian actress done it well. 

How to deal with the unacceptable concept of : "you are person, I am people"???

Which was the secret behind this Lewis concept? Maybe he desired to erase all sensual or sexual connotations in the tale? 

Why he wore the red jacket instead of a black or grey suit or a tuxedo? Maybe as a protest against the "blue" dress code tagged for "princes"? Or was it just a visual appeal to distinguish it from other men in the ballroom?
No signs of continental ways, nor the behaviour, neither the context. The transitions between the poor guy to the refinated old man, and from the old man to the poor guy was brutally cut in post edition. Two simple sequences shot were cut off and concealed the metamorphosis leaving a bitter taste. 

The dense atmosphere of the ghostly presence of his faher (exemples: the shadow at the mansion stair, wearing the father's tuxedo, protesting in the basement deeply moody, sleeping in a twin matress disposed in a king size bed) take off rhytm and freshness to the movie. Maybe as a result of the systematic great post edition cuts, the movie runs slow and disjointed. 

I wonder why they do not took advantage of the super expensive car Golden Sahara II, property of Jim Street Skonzakes, just for few takes? This amazing car was designed by George Barris from a Lincoln Capri in 1953. The model used in the movie is the second version of 1960.
The owner drove the car and actor Norman Leavitt played the role of chauffer only for three takes!.
Nor George Barris and Jim Street neither Norman Leavitt appears in film credits.
And a bad choice was do not show the splendid car when Fella arrives to the ballroom,  being a crucial scene! And more about the transitions!
 Altough in the '50 they had not many FX, at least they could do some fading out, or flash blast, or black out!

Some technical failures in the film: the scene when Fella is sleepwalker and goes out across the left side of window, walking crouched below the frame, leaving visible his yellow shirt (maybe because was made in one take), the umbrella at the piscine spinning around without reason, Fella spilling the salt into his soup then trying to scoop the salt out of the soup with the salt shaker, in the next shot, the salt shaker is dry and full.

The musical numbers do not get along with the discursive level of the plot and break the
attention. Originally there were three musical numbers, but the third was discarded in the post production.

Another musical number with Francesca Bellini, Joi Lansing, Barbara Luna, Frances Mc Hale and Darlene Tompkins was discarded, this scene was called "dream sequence", never shown even as archive material for dvd release. The original running time of 99 minutes ended in 90. With this vast edition caused the existence of gaps in the plot.
Anyway is a good movie.Don' t  get me wrong, I love Jerry Lewis, but I think we need to be objective.!

Première. Ana María Alberghetti and Jerry Lewis on stage. Still. A.Scaffino.

Panoramic. Première. Still. A. Scaffino.

Première. Ana María Alberghetti and Jerry Lewis lighting the theater with the magic wand. Still: A. Scaffino. 

Première. Pumpkin carriage. Still. A.Scaffino. 

Artwork A. Scaffino

 The impossible love between "people" and "person" in Lewis thinking. Still: A. Scaffino. 

The unique moment of love and tenderness between the boy and the Princess. Stills: A. Scaffino. 

The luxurious Golden Sahara II model 1959 valued in US 75.000 .- !!!. Still: A. Scaffino. 

The owner drove the car and actor Norman Leavitt played the chauffeur for three takes. 

Stills: A. Scaffino. 

The amazing dress of Princess Charming. Still: A. Scaffino. 

The dress highlighted by Louella Parsons in Los Angeles Examiner. 

Edith Head's wardrobe designs.

The Count Basie Orchestra. 

Lewis with Frank Tashlin. 

Dozens... dozens of wonderful dresses. Still: A. Scaffino.

The charmed Fella. Still: A. Scaffino. 

Pictures not marked as A. Scaffino were
 taken from several internet sources, not copyright infringement is intended.

The ultimate Trickster

Pensé el título en inglés porque bien podría ser un blockbuster internacional.
Descubrí a Jason Berrent en el personaje del Trickster en Kooza del Cirque du
Soleil. Kooza fue pensado y puesto en escena en 2007 y actualmente se hallan
en gira por Estados Unidos y en enero de 2013 llegaràn a Londres.
El espectàculo circense fue filmado para televisiòn y allì descubì a este talento.
El personaje del Trickster es el centro de la acción en compañía del Inocente,
un niño al que se le aparece este personaje tan antiguo como el mundo mismo,
quien crea para èl un mundo de fantasìa llamado Kooza. Jason Berrent en este rol
viene a ser un maestro de ceremonias como en los circos antiguos y dirige los movimientos
de los números. Para inspirarse en este personaje, dijo que tomò algo de la danza
hindù, de los movimientos de los felinos, y de Jim Carrey en cuanto a la expresiòn
corporal. Y es muy posible, puesto que si vemos a Jim Carrey en el personaje de Riddler
en Batman Forever, nos parecerá que bien pudo inspirar a Berrent.
Jason Berrent es un gimnasta y bailarìn, que se unió a la compañìa en 2006 en un papel
sencillo en el show Alegría, y luego fue a Kooza. Nativo de New York, este hombre que
en junio próximo cumplirá 30 años se me hace una promesa para el cine, como èl confesò
le agradaria hacer cine y personajes de villano. Tiene mucha expresiòn tanto corporal como
facial y es realmente hipnòtico cuando ingresa al escenario.

Un real talento.
El Trickster por excelencia.

Brandon Lee, su última entrevista

Esta
Esta es la última entrevista que realizó Brandon Lee, filmando El Cuervo.

Someramente para los que no comprendan inglés, está comentando que la esencia del personaje, es la justicia, el vínculo con las emociones, y el odio acumulado, debido al asesinato de su amada, y por la impunidad social para los inadaptados. El vuelve de la muerte esencialmente para hacer justicia por las víctimas. La clave de la película es el cuervo, este ave que es un psicopompo, lo trae de la muerte, se transforma en su esencia espiritual, hace que el protagonista vea y sienta a través de él, lo empuja hasta límites emocionales increíbles. El ave lo conduce hacia todos los victimarios para que se haga justicia. Y para que establezca un balance entre amor y odio. El mensaje que se destaca es que hay que valorar los preciosos momentos de la vida, porque uno nunca sabe cuándo va a morir.

Hermoso testimonio, emocionante.
Te querremos siempre Brandon.
Alexandra

Brigitte Lin o la belleza fatal

Vaya pues mi homenaje a las mujeres bellas del cine, en este caso, a una taiwanesa fantástica. Brigitte Lin nació con el nombre de Lin Ching Hsia en Taiwan el 3 de noviembre de 1954 y se retiró de la industria cinematográfica en 1994. Comenzó a rodar en 1972 y a partir de la década del '80 en Hong Kong, cuando los productores locales descubrieron su belleza y talento. Protagonizó aproximadamente 80 películas.


Generalmente se la estereotipó en el rol de mujer fatal, o de mujer deseada, o despiadada (sea un ser humano o sobrenatural) Sin duda fue una excelente exponente de luchadora del género Wuxia. Encarnó personajes sobrenaturales a los que les dio un toque especial, casi diría inolvidable (la invencible Asia en la saga Swordsman, la peligrosa en Bride With White Hair) Se convirtió en la actriz fetiche del director Tsui Hark.


De sus películas se pueden mencionar algunas para conocer su trayectoria:


- 1983 Zu Warriors of the Magic Mountain (dirigida por Tsui Hark)


- 1990 Red Dust (ganadora del Golden Horse Award de Hong Kong como mejor actriz)


- 1992 Swordsman II (dirigida por Tsui Hark)


- 1993 The Bride with White Hair (dirigida por Ronny Yu)

- 1993 Swordsman III (dirigida por Tsui Hark)


- 1993 Ashes of Time (dirigida por Wong Kar Wai)

Tita Merello, la morocha argentina

Fue en esta última Navidad que vi un especial televisivo dedicado a la "morocha argentina", la querida Tita Merello, a seis años de su desaparición física, cuando recordé su carrera y sus logros, emocionándome profundamente. Quién otra representa a la mujer argentina, esa rara mezcla de "arrabalera", sensual, trabajadora, "tigra" como ella? Hay tanto dicho sobre su vida que no creo aportar nada nuevo en este espacio. Solamente que no podía dejarla ir, a esta Ana Laura Merello nacida en Buenos Aires en 1904, la que participó en 45 filmes entre 1933 y 1985, la que fue nombrada ciudadana ilustre, que tiene su esquina, su placa de honor, tangos y poemas escritos en su memoria, besos en la frente que se acumulan en todo el mundo, como indiscutida embajadora de la cultura tanguera rioplatense.


Incansable, impactante actriz, solvente cancionista, escritora de tangos y poemas....por sobre todo transgresora. Aquella que recomendaba permanentemente a las mujeres a hacerse exámenes ginecológicos periódicamente para detectar a tiempo enfermedades fatales.... La que pegaba soberbios cachetazos, la que ponía a los hombres en su lugar con una verborragia inigualable, la que defendía la "universidad de la calle", la que sufrió miedos pero que no la paralizaron, la que estuvo en la escena nacional con una extraña calificación de "vedette rea", que compartió cartel con las primeras figuras del cine nacional, en fin, las mil facetas de Tita.

A los 20 años entró al mundo del teatro, en coros de revista. Y de allí pasó a la comedia y al drama, con obras como “La mala ley”, de Manuel Linares Rivas, “La propia estimación”, de Jacinto Benavente, “Santa María del Buen Aires”, de Enrique Larreta y “La tigra”, de Florencio Sánchez.

A fines de los años 30, comenzó a compartir los escenarios y las cámaras con figuras como Hugo del Carril, Tito Lusiardo, Pepe Arias, Angel Magaña y Santiago Arrieta.

En 1976, se incorporó al elenco de teatro Astros, en la revista que encabezaba Adolfo Stray y Thelma Tixou. Ese mismo verano participó de la temporada marplatense en un show que contaba con figuras como Mariano Mores, Los Chalchaleros y Héctor Gagliardi. Actuó en varias temporadas en Mar del Plata junto con Hugo del Carril y Enrique Dumas.

Prohibida durante la Dictadura, Tita temporariamente se fue del país y realizó películas en Chile y México. De amores mejor no hablemos, sufrió mucho, pero tiene todo el cariño de sus admiradores.


Filmografía:

1933 - ¡Tango!, de Luis José Moglia Barth

1934 - Idolos de la Radio, de Eduardo Morera.

Noches de Buenos Aires, de Manuel Romero

1936 - Así es el tango, de Eduardo Morera

1937 - La Fuga, de Luis Saslavsky

1942 - Ceniza al viento, de Luis Saslavsky.

Pal´otro lao (Chile), de José Bohr

1946 - Cinco rostros de mujer (México), de Gilberto Martínez Solares

1948 - Don Juan Tenorio, de Luis César Amadori

1949 - La historia del tango, de Manuel Romero.

Morir en su ley, de Manuel Romero.

Filomena Marturano, de Luis Mottura.

Arrabalera, de Tulio Demicheli

1950 - Los isleros, de Lucas Demare.

Vivir un instante, de Julio Demicheli

1951 - Pasó en mi barrio, de mario Soffici.


Deshonra, de Daniel Tinayre

1953 - Guacho, de Lucas Demare

1954 - Mercado de Abasto, de Lucas Demare.

Para vestir santos, de Leopoldo Torre Nilsson

1955 - El amor nunca muere, de Luis César Amadori.

La morocha, de Ralph Pappier

1960 - Amorina, de Hugo del Carril

1963 - Los Evadidos, de Enrique Carreras

1964 - Los Hipócritas, de Enrique Carreras.

Correo Sentimental, de Enrique Carreras

1965 - Ritmo Nuevo y Vieja Ola, de Enrique Carreras

La industria del matrimonio

1966 - El Andador, de Enrique Carreras.

Idolos de entrecasa, de Enrique Carreras

1969 - Viva la vida, de Enrique Carreras

1974 - La madre María, de Lucas Demare

1976 - El canto cuenta su historia, de Fernando Ayala y Héctor Olivera

1980 - Los Miedos, de Alejandro Doria

1985 - Los barra bravas


En suma, Tita, de Buenos Aires, presente en nuestros corazones.


Alexandra

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker - Continuación

Frank Langella en The Twelve Chairs

Frank Langella, un actor versátil, de los buenos!

Adoro a "Frankie". Y como siempre, no veo por ahí que se lo destaque mucho, sin embargo posee una formación actoral y una carrera fantástica. Tal vez con estas líneas les refresque la memoria a algunos y traten de revisar lo bueno que es este tipo. Yo me topé con él siguiendo las películas de Mel Brooks (otro ser amado al que algún día le dedicaré unas líneas) y vi esa maravilla que es "Twelve Chairs" donde aparece casi debutando en cine Frankie. Y hace poco dieron en TV "10.5 Apocalypse" y me morí de amor, aunque tenga 68 años está más lindo que nunca! Y por supuesto nunca defrauda en sus roles.

Frank Langella nació el 1º de enero de 1940 en New Jersey, debutando en televisión casi por casualidad en 1970 cautivando a productores y directores por su presencia y versatilidad en los roles que se le proponían. Es una mole de 1,95 mts, con ascendencia italiana, de cabello y ojos negros que le dan una apariencia especial, sobre todo para los personajes que le tocó interpretar, se puede decir que en un primer momento de su carrera lo encasillaron en papeles de personajes siniestros o locos. Los premios no tardarían en llegar, en 1971 ganó el premio NBR Award por "Mejor Coprotagónico" en Diary of a Mad Housewife (1970) y nominado en la misma película por "Actor Revelación" (que es una pena que no lo haya ganado). Nominado en los NBR ese mismo año también como "Mejor Coprotagónico" por "Twelve Chairs " (1970).

En Argentina pocos conocen esta película de Mel Brooks. Tuve la suerte de verla varias veces y me parece una genialidad (bueno Mel Brooks nos tiene acostumbrados) Está basada en un guión original de la década del 20' de dos escritores rusos, pero Mel Brooks la transformó en un disparate delicioso.

En 1980 fue nominado en los Saturn Award por "Mejor Actor" en el film "Drácula" (1979) pero es una lástima que no se lo haya llevado. Pocos miran su actuación como el conde, cuando analizan las cientos de películas que se hicieron sobre el vampiro. Lo adoré en este film. Me parece un Drácula sensacional con los toques típicos de la época. Es un Drácula con los cánones de siempre, un conde vestido con inmensa capa, que se dedica a seducir mujeres y que le teme a la luz solar y no se refleja en los espejos, son clichés pero supo darle una especie de aire de Don Juan a su composición que lo distingue de otros actores que interpretaron al famoso conde. Se vé en él una sutileza sensual en los movimientos que no se lo ví a otro. Como curiosidad se puede decir que fue el único actor junto a Christopher Lee y a Richard Roxburgh en interpretar a Drácula y a Sherlock Holmes (éste fue un film para TV del año 1981).

Drácula es un film riquísimo, su director fue John Badham bajo el guión adaptado de la novela original de W.D. Richter. Un lujo de actores: Lawrence Olivier como Van Helsing, Donald Pleasance como el Dr. Jack Seward. Cómo llegó Frankie a conquistar a los productores para hacer al conde? El venía representándolo en Broadway entre 1977 y 1978, momento en que un productor lo vio y quedó impactado por la forma de interpretar este rol y le propuso llevarlo al cine.

Luego me tocó verlo en "Masters of the Universe" (1987) donde está tras la máscara de Skeletor, por eso mucha gente no sabe que está entre los actores principales. Memorable para esta película de ciencia ficción de bajo costo la batalla final entre él y He Man (interpretado por Dolph Lundgreen). Pero su voy es inconfundible. A pesar de ser una película de bajo presupuesto y que pasó sin pena ni gloria, yo rescato algunas cosas como la puesta en escena del palacio siniestro de Skeletor y la actuación de Frankie por supuesto.





Luego lo ví de casualidad en "1492 Conquest of the Paradise" (1992) interpretando a Luis de Santangel, porque por supuesto da para papeles de latinos, y luego en "The Ninth Gate" (1999) junto a Johnny Depp interpretando al loco Boris Balkan. Luego se me perdió en la estratósfera de Hollywood y me lo reencontré en "10.5 Apocalypse" un film para TV que me encantó porque todo lo que sea cine catástrofe me apasiona. Conserva ese tono y modulación especial de voz que me encanta y deleita a los espectadores, moderado en sus gestos y actitud corporal, puede hacer papeles de diverso calibre con total versatilidad por ello mi homenaje a este grande del cine.



Alexandra

Billy Drago, un actor con "máscara"

Siempre me llamó la atención y no entendía por que. Muchos no sabrán de la vida de este actor, yo dí con él en una película que no recuerdo ni el nombre, pero lo volví a ver en un capítulo de la serie de la Warner Supernatural y me puse a ver un poco de su vida y carrera.

Luego lo ví en la película de bajo presupuesto "Demon Hunters" donde encarna el rol de un ser demoníaco y me volvió a convencer, Billy Drago tiene algo que muchos no tienen: lo que en teatro se llama "máscara". Con esto se nace, no se hace. Es una expresión única, que se logra naturalmente, sin necesidad de gestualidad o sobreactuación. Tiene una forma de expresión anodina que es extraordinaria, como ha sido encasillado en roles de malo, no le cuesta mucho, puesto que lo logra con facilidad, pero no es el malo furioso o siniestro, es el malo de rostro anodino, que a lo mejor da más miedo que el que intenta hacer muecas horrorosas.

Su nombre real es Billy Eugene Burrows, nació en Kansas en 1949, de padre apache y madre serbia. Al comienzo trabajó como doble y luego en la radio, su debut en cine fue en 1979. Trabajó en una treintena de films y en muchísimas series televisivas, inclusive Michael Jackson lo contrató para su video clip You Rock My World (2005)

De sus películas se lo recuerda por su rol de Frank Nitti en The Untouchables de Brian de Palma (1987), en Demon Hunter en su rol de Asmodeus (2005), en The Hills Have Eyes y en su participación en el capítulo de la serie Supernatural "Time is on my side" de la tercera temporada (2008).


Alexandra

Horst Buchholz, el James Dean alemán

Estuve pensando en muchos actores, que despertaron admiración en mí, y me vinieron varios nombres a la cabeza, pero me detuve en Horst Buchholz, porque tuvo ese "no se qué" que siempre me atrapó y me gustó en cuanta película pude verlo. Y noté que está un poco olvidado así que lo menciono aquí en este corto relato, dándome cuenta que pasaron cinco años de su muerte.


El fenómeno hollywoodense engulle a toda estrella o astro que surga en Europa o en otro continente, enceguece con sus luces y no nos permite ver a grandes actores, guionistas, dramaturgos o cineastas que hacen una tarea impresionante fuera de los Estados Unidos. Si el artista proviene de Europa, se destaca su carrera solamente cuando conquista Hollywood que si bien es la Meca del Cine, es también el Cementerio de Personas. Muchos consiguieron zafar de las garras de este monstruo y permanecer con una carrera estable sin terminar en una desgracia. Horst Buchholz fue un ejemplo de supervivencia en un país que le era ajeno. Permaneció fiel a su patria, Alemania, fiel a su formación europea, a sus valores y principios. Consiguió la fama en Estados Unidos y por ende en el mundo, pero siguió trabajando para el cine europeo.


Horst Buchholz nació en Berlín en 1933 y ahí murió en 2003, de padre alemán y madre danesa, de origen humilde, desde su juventud tuvo que trabajar para pagar sus estudios en escuelas de teatro. Consiguió una sólida formación, realizó varios filmes en su país por lo cual se ganó un lugar de privilegio en la escena nacional. De un estilo definido y particular, por su forma de ser rebelde y contestataria, lo identificaron inmediatamente con James Dean, y fue conocido como el representante de la rebeldía pero en versión alemana. Debutó en cine en su país en 1949 con pequeños papeles. Entre 1952 y 2002 realizó más de 60 películas de las cuales solo mencionaré tres: En 1955 ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cannes por "Himmel ohne Sterne". En 1960 conformó el elenco insuperable de "Los Siete Magníficos", donde compartía escenario junto a Charles Bronson, Steve McQueen y Yul Brynner.

Hollywood ya era suyo. Luego fue nominado al Oscar por su labor cómica en "Uno, Dos, Tres", dirigida por Billy Wilder, y su impronta ya estaba en la mente de todos. De sólida formación teatral Buchholz tenía también una amplia cultura, hablaba con fluidez inglés, francés, italiano, español y ruso, lo que le permitió encarnar roles de diferente magnitud, con total naturalidad.


Vaya pues mi homenaje a este actor alemán.


Alexandra

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker - Continuación

Tres actores, tres vidas, tres visiones para un mismo rol. La comparación es inevitable, pero la riqueza del personaje es la que da las pautas. Los villanos del cine siempre son los mejores. No hay nada más maravilloso, puesto que los buenos a veces de tan buenos, son insípidos. Los matices que puede adquirir un villano son tantos que permite análisis desde varios enfoques. Además a todos nos gustan, no nos engañemos. Qué sería de Batman sin sus archienemigos? Un simple psicótico que cree ser un hombre-murciélago haciendo estupideces por las calles de Ciudad Gótica. A veces pienso en su inutilidad sin los malos que le hacen la vida insoportable. Imagínense "Las aventuras de Batman" hechas solo para contar la vida de este tipo que es un tanto esquizoide, no? Batman no tiene sustancia si no se agrega en el componente químico al villano. Me pregunto que habrán pensado cada uno de estos tres actores al momento de construir el personaje. Son tres actores de tres épocas diferentes, con formaciones actorales distintas y objetivos distintos. Además las condiciones que pudieron haber sentido a la hora de componer. Los directores a veces son insoportables. Y las épocas!

Empiezo por una simple descripción de los actores y su vida:
César Romero, de doble nacionalidad, cubana y estadounidense, nació en 1907 y falleció en 1994. Al principio de su carrera, debido no solo a su estampa y gran altura (1,90 mt) fue modelo, luego bailarín de salón (pero de los buenos) y luego actor de extensa trayectoria, es un peso pesado en el género. Realizó más de 130 películas, sin contar con apariciones televisivas. Algunos críticos dicen que su mejor film (por esa manía de elegir uno) fue El Capitán Castilla, de 1947, donde interpreta a Hernán Cortés. Cuando le llega el ofrecimiento del rol del Joker en la exitosísima serie Batman, César Romero ya tenía una gran carrera y prestigio ganados, lo que equivale a decir que convocarlo era un lujo para la época. La serie fue un hit. Nadie puede olvidar a este Batman (si me permiten los fans esta afirmación) insulso y tonto! Era una época donde primaba la ingenuidad y la levedad en los temas tratados en las series de entretenimiento, la psicodelia invadió todo, incluso la pantalla chica. Esta moda se ve claramente en la serie, con encuadres de cámara absurdos (rotación de plano a 45º para dar idea de desorden) saturación de colores primarios (colores netos, absolutos, contrastados muchas veces hasta lo absurdo) e inserción de cuadros de diálogo en escenas de lucha (los famosos "bam", "piff" y otros para denotar la rudeza de los golpes)... pero en cuanto a los villanos, la ingenuidad por encima de todo. Son malos pero no tan malísimos! Esta liviandad obviamente nos va a chocar contra la elaboración actoral de los otros dos "jesters". El Joker del César Romero es, en el fondo, naif. Como todo en la época. De los tres que analizaré, es el único que no tuvo desfiguración del rostro. Su marca registrada era una boca roja, muy roja, pintada con dos picos ascendentes para dar la idea de una risa perenne. Por lo demás, puedo decir que al ver nuevamente los episodios donde apareció, la actuación de Romero es impecable. Realmente el tipo era muy bueno. Sin los trucos y efectos especiales con que contamos hoy, este actor elaboró un personaje memorable. Su voz en falsete, su risa fastidiosa y chirriante, su gesto inmortal de frotarse las manos, quedarán por siempre en el recuerdo.

La pauta principal que daba este Joker eran sus bromas pesadas. Continuamente estaba pensando en matar a Batman pero no nos queda de él el sabor amargo de un villano terrible e implacable sino de un loco que pensaba sus asesinatos con el formato de una broma. Inclusive en la película que se hizo a propósito del éxito de la serie, no tenemos al Joker como lo pensamos hoy, puesto que contamos con otros actores para contrastarlo. El mérito de Romero está en su impecable actuación, locución y lenguaje gestual. Sin CGI, sin tecnología aplicada, nos deja el recuerdo del villano simple, llano, embriagado por una obsesión.

Claro, el problema es que en 1989 le tocó el turno a Jack Nicholson. Y Nicholson es Nicholson.

Nacido en 1937, activo en la actualidad, con una carrera impresionante tanto como actor y director, comenzó su carrera fílmica en 1958, cargando con doce nominaciones al Oscar por mejor actor de los cuales se hizo con tres, y decenas de nominaciones al Globo de Oro de los cuales se hizo con siete. Contra Nicholson no se puede. Pero hay que ser objetivo. A veces me da la sensación que este actor dotado de un rostro perfecto para hacer de villano, de maldito, de ese que detestamos, se le vuelve en contra, porque cuando encarna un rol de buenito, no podemos evitar pensar en el Nicholson del Resplandor, o del Hombre Lobo. Y esto me hace pensar que si Nicholson prima por encima de sus personajes algo me está fallando puesto que la labor principal del actor es dejar de ser siempre él mismo para ser otra persona por un rato y que no lo veamos jamás. No estoy desacreditándolo, puesto que lo admiro mucho, pero si pienso en el Joker y digo "Nicholson" estoy perdida. No obstante, la recreación de este personaje fue mundial. De las constantes que analicé en la primera parte de este escrito, Nicholson es el que más puso acento a la desfiguración del rostro, con aplicaciones de látex y complicado maquillaje.

El énfasis estuvo puesto en esto.
Este es un Joker mucho más denso que el de Romero, por supuesto, un psicótico que por momentos da miedo pero no infunde ese terror que te hace estremecer. No usa falsete en su voz, pero recurre a las constantes marcas del personaje: muestra su carta comodín en una corta escena, la risa burlona y fastidiosa, el recurso a la broma asociada al asesinato. Es un Joker aficionado al arte, algo bohemio, vinculado de alguna forma al arte, pero que no muestra la oscuridad total de su vida. Hay énfasis en el absurdo, lo vemos ingresando al Museo Nacional de Ciudad Gótica rompiendo y manchando todos los cuadros de la colección porque él se erige como el nuevo modelo estético a seguir. Contamina los cosméticos para que a la gente se le arruine el rostro como le pasó a él. Desfigura a su amada con ácido en el rostro para que sea igual a él. La desfiguración de su rostro y parte de su cuerpo parece ser lo que más le afecta. Esto lo lleva a la crisis mental cuando se mira en el espejo luego de la cirugía- Es un Joker que tiene mucho de Tim Burton encima, por momentos bizarro, estrafalario, pero al mismo tiempo sombrío y sutil.

Y el problema llega con el otro actor que tuvo que componerlo, con la pesada carga de sus antecesores: Heath Ledger. Este joven, nacido en Australia en 1979, se suicidó en enero de 2008 dejando una gran pérdida para la pantalla grande, pues era un actor muy bueno, y con
prometedora carrera, que comenzó en Hollywood en 1999 y de la que nos dejó catorce films.

Se hace difícil hacer una comparación ante el hecho de que sus antecesores lograron mostrar facetas actorales a lo largo de décadas puesto que cortó su vida muy tempranamente, aunque podemos inferir su prestancia en escena a través de las películas que dejó. No sabemos si realmente tuvo como modelos a César Romero o a Nicholson, pero lo cierto es que fue dirigido por otro director, Christopher Nolan, y con otro concepto.

Este Joker elaborado por Ledger es el más denso, el más dramático, el que puso el acento en la psicología del personaje. A mi criterio, es el más oscuro de todos, el más temible. Por momentos inspira un terror y repugnancia increíbles. Este Joker muestra permanentemente el comodín, inclusive en la presentación hay planos de luces y sombras basados en esta carta, como preanunciando de quién estamos hablando.

En una escena dice con convicción, mostrando un comodín: "This is my card". Queda clarísimo, no necesitó más. Es mucho más violento, brutal, hundido en las tinieblas de una locura maniática que los otros dos. Incluso en un momento llegamos a creer que casi logra matar a Batman. Esto indica su alto índice de peligrosidad. No está tan preocupado por hacer bromitas sencillas como Romero, o con la cuestión del arte y la estética como Nicholson. Está permanentemente sumido en la oscuridad de su mente. En la memorable escena del ataque final a Batman, en un mano a mano, lo desafía solo, hasta le grita: "Beat me!" mientras lo desmorona con una explosión. Su llegada provoca el espanto entre la gente, sabemos que estamos frente a un loco descontrolado. Hay un detalle que observé en su vestimenta: sus zapatos son más grandes de lo normal y puntiagudos, como queriendo emular al escarpín con cascabeles que lleva el joker de los naipes. Interesante

Ledger utilizó el recurso del falsete constante en su voz. Y llega a una variedad tonal mayor que la de sus antecesores. En la desfiguración de su rostro, mucho más cruel que la de Nicholson, que es estilizada dentro de su monstruosidad, creemos ver la marca del murciélago estampada en su boca, como una crucifixión.

Resumiendo: el Joker de Romero termina en la cárcel, el de Nicholson muerto, y el de Ledger en el Asilo Arkham. Tres destinos diferentes para un rol exquisito, del cual estos tres actores lo han elaborado cada uno según su estilo y convicción.

Alexandra

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker

Tres actores tras un personaje. No pude contenerme y cedí a la tentación de ver la interpretación y construcción del personaje en cada uno de ellos. Tengo opiniones encontradas respecto de cada uno, los admiro como actores a los tres pero son tan diferentes... merecerían un capítulo cada uno. Lo que los une aquí fue su construcción de ese fenomenal personaje llamado The Joker. Mejor comienzo por la estructura, la esencia del personaje.

En la ficción, The Joker surgió entre los creativos de DC Comics allá por 1940, como el archienemigo de Batman. Se lo delineó como un ser siniestro, extremadamente peligroso pero al mismo tiempo un genio, una persona de elevada inteligencia, que tras una desgracia se une a las fuerzas del mal bajo una nueva apariencia, tomada del comodín de la baraja de póker: el Joker. Durante décadas este personaje nos fascinó. Se produjeron leves modificaciones en su estructura, pero no deja su esencia: es un psicópata bajo el disfraz de un burlón que hace trucos y bromas pesadas. En la idea original de la década del '40, el Joker tenía su firma personal: tras cada asesinato dejaba el comodín de la baraja sobre el cuerpo occiso. Pero... de dónde les vino la idea de este fastidioso, siniestro y terrible psicópata? De la novela "El hombre que ríe" de Víctor Hugo. Así fueron elaborando los hilos de su historia personal hasta llegar al personaje que vemos hoy. Están los que analizan psicológicamente su comportamiento: dicen que es un psicópata con tendencia al sadismo, con extravagante sentido del humor, que atormenta a inocentes, y mata por placer. Pero es extremadamente inteligente, hecho que se le vuelve en contra, pues sufre una crisis mental haciendo que desee destruir todo lo que lo rodea.

Como rasgo distintivo, tenemos la constante de su risa, su carcajada que resuena en las oquedades, provoca mucho más la angustia y la desazón más que un divertimento. Es la mueca del que ríe siniestramente, del que sabemos que con su fatal humor, nos conducirá irremediablemente a la muerte.

Según Alan Moore, de DC Comics, su historia personal se resume de esta manera: era un ingeniero de una planta de productos químicos, que deseaba ser actor cómico. Renuncia a su trabajo en busca de la fama, pero fracasa y la falta de dinero hace que planee un gran robo ingresando a la planta química con otros dos ladrones, pero es sorprendido, sus secuaces asesinados y él logra huir, con tanta mala suerte que cae en un tanque de sustancias químicas y es arrojado al exterior por un tubo de drenaje. Al salir milagrosamente con vida, descubre que se produjo en su cuerpo una reacción química que le destrozó la piel, especialmente la cara, el cabello, tendones, músculos y otras desgracias. Sufre una crisis mental y se vuelve literalmente loco. A partir de allí asume que es como el Joker del juego de barajas. En esta primera versión de su historia este oscuro ser no tiene nombre. En la versión de Tim Burton lo hace llamar Jack Napier, como una humorada para el actor que en la década del sesenta interpretó a Alfred, que se llamaba Alan Napier. No sabemos por que hizo esto Burton pero es otra más de sus excentricidades.

Hasta aquí, podemos decir que es todo lo que se puede decir de la historia del Joker. Pero qué es un Joker? El rol lo toman del personaje de la baraja de poker, que tiene en total 52 cartas repartidas en cuatro palos, dos de las cuales son comodines que muestran al Joker, estos naipes sustituyen a cualquiera de la baraja. Este juego de naipes arribó a Europa en 1370, posiblemente llevado por los que tuvieron contacto con los mamelucos de Egipto que jugaban un juego de barajas inspirado en uno de los turcos. Grandes figuras europeas mencionan este juego, como por ejemplo Petrarca en 1366 y Bocaccio en 1370, por lo que deducimos que ingresó desde Oriente donde el juego de naipes era corriente. Lo que se reformuló fueron los palos, es decir, las figuraciones en los naipes. Así tenemos que los comodines representan al "court jester". Jester o Joker es esencialmente un tonto que hace bromas tontas. Viste traje estampado en rombos, sombrero con tres picos que terminan en cascabeles (son tres porque simbolizan las dos orejas más la cola del asno). Lleva un cetro con una máscara de sí mismo, y cascabeles en la punta de sus zapatillas. En el Medioevo pensaban de estas personas que habían sido tocadas por un don de Dios para hacer reír pero que esto era a la vez su maldición.

Joker es una de las tantas formas de llamarlo: jongleur, jogleor, joculator, stultor, fou, fol, etc. El tema es que es alguien que tiene facultad para decir bromas, es alguien que puede decir tonterías sin ofender, puede bailar y cantar también. Desde Roma llegó la tradición de "jesters" o bromistas que eran llamados "scurrae", "mimi" o "histriones", pero no eran actores de profesión, cosa que sí sucede en el Medioevo. En esta época, un jester podía surgir de cualquier lado, desde un erudito no conforme con la normativa de una universidad hasta un monje, un juglar con excepcional don de verborragia, o un aprendiz de herrero que podía entretener a la gente con sus bromas ocurrentes. Una descripción de Rabelais ayuda a comprender cómo era un jester del Medioevo: era irreverente, libertino, pícaro, burlón, pero es un tonto, un tonto que critica al mundo. Podía ser juglador, confidente, profeta y consejero, todo al mismo tiempo. En su familia seguramente había todo un linaje de actores, músicos, acróbatas, burlones y locos. Los gobernantes tenían siempre un jester para que los entretenga. Cuando la institución del "court jester" desaparece en Europa (recordemos que no era una función sino una institución) aparecieron focos de resistencia a la misma puesto que durante generaciones, gente con este don había entretenido a monarcas, y reclamaban no quedar sin su trabajo. A duras penas sobrevivieron hasta el 1800 donde hay testimonios de estos profesionales en cortes europeas. Antes de culminar con esta cuestión remarco que la importancia del jester además de entretener era la de ser un crítico de la situación política y social de su época. Esto lo distingue del simple cómico o burlón, o del mismísimo payaso, que solo entretienen a la gente. Inclusive el jester podía llegar a ser confidente del monarca, advirtiéndole sobre posibles conspiraciones o ataques.

No era un renegado o un revolucionario, con sentido del humor le aconsejaba al rey acerca de los asuntos del momento haciendole ver la realidad desde un costado que a simple vista parecía ridículo pero escondía una verdad.

Hasta aquí, se delineó el origen del personaje de ficción y el sentido originario del personaje de la baraja europea de poker. Pero el tema es cómo un actor toma todos estos elementos para componer su personaje. Qué camino recorrió este jester del Medioevo hasta el personaje de MC Marvels? Obviamente lo hicieron tomando los elementos sobresalientes del mismo, pero no su imagen. Es decir: la verborragia, la inteligencia, la facultad de hacer bromas, la risa constante, pero le pusieron el lado siniestro para convertirlo en un villano: siniestro, oscuro, terrible, implacable, calculador, asesino por placer. En los tres actores que lo interpretaron encontramos estas constantes:

- la risa farsante, la carcajada morbosa, la mueca feroz

- trajes de colores chillones

- rostro y cabeza con alguna desfiguración

- asesinato y broma asociados

- utilización del naipe comodín para presentarse a sí mismos

Con las variantes de la construcción del personaje en cada uno de ellos, que desgranaremos a continuación.

Darth Maul - Estética del mal

Vuelvo sobre el tema. He visto que el personaje despertó en la audiencia dos tendencias muy diferentes de empatía: por un lado los niños están fascinados por completo con este ser infernal, y por otro las mujeres, siempre propensas a sentirnos atraídas por la sensualidad de la malignidad. Y es que es un personaje sumamente rico, mucho más de lo que se cree. En el caso de los niños, el mensaje icónico de Maul fue subvertido: en vez de detestarlo por ser un ser maligno y falto de sentimientos, la contracara de los buenos jedi, le adjudicaron un sentimiento de ser justo, valiente, poderoso, y no necesariamente demoniaco. Las mujeres caen ante la seducción de imaginar un cuerpo completamente tatuado en rojo y negro, fantaseando con las líneas dibujadas en su cuerpo, en el erotismo del movimiento ondulante de su ropa negra, mezcla de estilos orientales y occidentales, casi llevándolo al fetichismo. Lo convirtieron en fetiche. Desde las botas que usa, hasta el amplio hakama que viste en las primeras escenas, pasando por la amplia capa que lo cubre permanentemente, las mujeres se erotizan internándose en cada pliegue de sus vestidos. Y no soy la excepción. Acaso un ser maligno no es más atractivo que uno buenito, dulce y casi patético? Repasemos un poco este tema con mirada femenina: cuando se estrenó la mítica Star Wars allá por 1978, cuántas seguidoras tuvo Luke Skywalker contra Darth Vader? Recuerdo que todas las miradas se posaban sobre la magnífica presencia de Vader, oscuro, poderoso, fuerte, inexpugnable, cubierto precisamente por una máscara. A su lado, Luke Skywalker quedaba como un Peter Pan de las galaxias, un niño rubio de ojos claros estilo principito que no despertaba ninguna pasión salvaje. Su ingenuidad y belleza casi andrógina no pudo contra Vader. Y luego vino la Trilogía. Y reaparecieron los jedis. Quisiera saber cuántas mujeres mueren de amor y deseo erótico por Obi Wan Kenobi o Qin Gong? Cómo pueden remontar éstos varones, la presencia fenomenal de Maul? No es que el bien siempre gana y los malos se llevan a las minas, es que el tema del bien y el mal se personifica en personajes que eróticamente hablando, tiran la balanza para el lado del maligno. Acaso somos perversas y deseamos un ser como Maul que al menos demuestra no sentir absolutamente nada salvo lealtad a su cofradía (Los Lores del Sith) y a su inexpugnabilidad? Es esa torre de marfil que nunca alcanzaremos. Si se le hubiera ocurrido a los libretistas poner a un Lord del Sith enamorado, se hubiera caído del pedestal inmediatamente. Cuanto más lejano, inalcanzable, poderoso, fuerte, frío, calculador, y a la vez terriblemente seductor, erotizante y perturbador, mejor para las mujeres. En las reiteradas convenciones de Star Wars donde la estrella invitada es Ray Park, los gritos de las mujeres ensordecen. Ya no les importa que es un actor, un artista marcial que interpretó a Maul. Ven en el actor a ese ser que pudo dar en la tecla de la fantasía de miles de mujeres. De hecho en una convención, hacen un truco interesante: el locutor anuncia con gran pompa a Darth Maul y éste aparece en escena en medio de aplausos cerrados y griterío femenino. Su presencia devastadora, sensual y arrebatadora, se deja sentir en todo el auditorio. Pero por detrás de bambalinas, sigilosamente, aparece Ray Park, vestido con un simple jean y remera, haciendo gestos hacia el disfrazado de Maul como diciendo: "Ese no soy yo". A pesar de que no era él, y se estaba mostrando como el actor que lo interpeló, las mujeres atónitas ante el truco siguieron en la tesitura: aplaudieron y vivaron a Ray sin aliento. Acá aparece el fenómeno del ser enmascarado (porque sostengo que maquillaje es máscara) que ante el desenmascaramiento no pierde poder. Caso contrario pasó con Vader. A nadie le gustó saber que actor había detrás de esa máscara de oxígeno, esa máscara tremenda, ostentosa, amenazante, inexpugnable. Todas querían ver a Vader y no al actor. Vaya fenómeno.

Ya dije en otra entrada que debido al fenómeno de la estética visual y el impacto cinematográfico (apoyado en el andamiaje de la historia de un personaje y el guión) Maul superó por varios cuerpos a Vader. Qué es lo que pasó? Realmente creo que en Maul se conjugaron varias cosas que lo completaron como personaje que a Vader le faltó. Vamos vamos a mí no me vengan con cuentos, mujeres. Piensan que George Lucas y equipo no se dieron cuenta de los detallecitos de la ropa y movimientos de Maul con un fin absolutamente delineado? Vuelvo a la vieja película de 1978... Al menos Han Solo ganaba mujeres por su simpatía y desfachatez, pero Luke Skywalker era una mala remake de principito valiente. Y éstos contra Vader tampoco pudieron. Volviendo ahora a las convenciones donde aparece Ray Park, éste le agrega un plus: es un ser angelado, con mucha llegada al público, es histriónico, comunicativo, simpático, abierto a escuchar a los fans, carismático y encima super talentoso. Aquí se mezclan aguas. Las mujeres nos mareamos ante la diatriba: adoramos a Ray Park o a Maul o a ambos? Creo que por un misterio de la naturaleza y del séptimo arte, los amamos a ambos.

Si tienen opinión contraria me gustaría que me escriban comentarios.

Darth Maul y Darth Vader - La conversión

Es Vader peor que Maul? Este problema para los fans de Star Wars no tiene solución. Los dos no tienen el mismo nivel para pesar, Vader aparece en toda la saga, Maul solo en un episodio y muy poco. Pero la fascinación que provocó Maul no es un fenómeno para minimizar, "algo" pasó para que Maul tenga una legión de seguidores. Creo que es el impacto visual y la riqueza con la que dotó al personaje lo que lo hace maravilloso.

Si alguien provoca espanto, escalofríos, o esa fascinación por lo maligno y oscuro, es Vader. Cuando se convierte en Vader, ese despojo humano que fue en un momento Anakin Skywalker, ahora sin un brazo, sin sus dos piernas, con el 80% de su cuerpo quemado, vuelve a la vida gracias a la tecnología, y precisamente su máscara con el aparato de oxígeno que emite ese sonido constante es lo que provoca más espanto. Tal vez la falta de cambios de vestuario y el hecho de estar atado a su traje y máscara protectoras, hizo que Vader tenga menos riqueza visual que Maul. Este por el contrario, fue un personaje pensado para deleitear al espectador con sus movimientos y su apariencia. Hay tres cambios de vestuario, acá solamente mostraré uno que lamentablemente usa muy poco tiempo en la película, nunca me expliqué por que no lo mostraron más con esta belleza

Ambos tienen su propia historia personal dentro de la saga. Vader: La clave está en que es un ser que se transformó en un ser maligno porque tenía razones: la muerte de su madre, la de su amada Padme, la inadaptación a la doctrina de los jedi, lo que hizo estragos en su carácter, y eligió el mal. Es un ser lleno de ira, pero provocada por situaciones afectivas.

Maul tiene una historia triste, pocos la mencionan. Es un ser nacido en un planeta llamado Iridonia, cuyos habitantes pertenecen a la especie Zabrak, que como detalle tienen cuernos en su cabeza. Al momento de su aparición en la saga, se deja claro que esta especie se habría extinguido hacía ya mil años y unos pocos quedaban de ella. Darth Sidious en una de sus troperías, llegó a Iridonia y vio a este niño zabrak, supuestamente (versiones sin confirmar pero versiones al fin) llamado Khameir Sarin, que poseía un inusual potencial de la fuerza, por lo tanto no dudó en raptarlo y lo tuvo en cautiverio, desde los cuatro años. Lo educó en el arte de la lucha de los jedi, y sobre todo en la resistencia ante todo tipo de desgracias, para hacerlo una máquina bélica. Lo mantuvo encerrado durante años, procediendo a tatuarle todo el cuerpo con antiguos símbolos Sith en rojo y negro, que le provocó sufrimiento, pero que se conformó porque había elegido el camino que le impuso su maestro. Una vez que Sidious consideró que su aprendíz estaba listo para ser utilizado, le encomienda misiones menores (que no se ven en la saga) y así este nuevo Lord el Sith, bautizado Maul, deviene en ese feroz ser que es casi infalible.
"Fear. Fear attracts the fearful… the strong… the weak… the innocent… the corrupt. Fear. Fear is my ally."

―Darth Maul

Maul fue un maestro de las disciplinas de lucha Juyo, Jar'Kai y Teräs Käsi y eligió usar un sable de luz de doble hoja. Sidious envió a Maul a varias misiones de asesinato político y subterfugio, pero Maul ansiaba encontrar y matar a los jedi.

Adoctrinado en el Lado oscuro de la Fuerza solo conoció la ira y el odio. Maul mataba seres vivos sin piedad, por orden de su maestro. Durante su entrenamiento, cualquier demostración de miedo era castigada severamente por Sidious, y cualquier petición misericordia recompensada con crueldad. Fue torturado y maltratado física y psicológicamente, al más puro estilo Sith. Para cuando Maul ya era adolescente, su amo lo había forjado como un arma de odio puro, una fanática herramienta de matar. Pese a todo ello, Sidious consiguió, aprovechándose de su niñez traumática, que Maul desarrollara sentimientos paternales hacia su maestro y nunca contemplo matarlo, hasta su prueba final.

Maul fue enviado en incontables misiones sangrientas para su maestro, asesinatos políticos, jefes del crimen, comerciantes y señores de la guerra. Maul concibió su aspecto para infundir miedo en el corazón de sus enemigos e incluso de sus aliados. A pesar de sus victorias, Maul deseaba enfrentarse a un Jedi.

Qué lazo puede unir a Vader con Maul? Que fueron convertidos en lo que vemos, uno por elección y otro por sometimiento. Al fin y al cabo, dos esclavos de Lord Sidious.

El nacimiento de un personaje:
George Lucas definió al personaje de Maul como: "La peor pesadilla para cualquiera".
El personaje fue creado por Ian Mc Caig luego de contar a sus amigos que había tenido una pesadilla y había visto un ser que lo explicó a través de dibujos y bosquejos. Le comunicó esta noticia a George Lucas para inspirarle un nuevo personaje pero al principio no obtuvo respuesta positiva. Mc Caig no se rindió y continuó dibujando a este ser infernal, este ser oscuro que le venía a la mente, pensando su figura, su comportamiento, su vestimenta, todo. En el equipo de los creativos estaba Nick Dudman quien le sugirió que le coloque cuernos en la cabeza y le cambió el traje, en realidad dos, que son los que lleva en la saga. Al final le llamó la atención a Lucas y éste decidió ponerlo dentro de la saga.
Darth Maul fue interpretado por el experto en artes marciales Ray Park y su voz era del actor británico Peter Serafinowicz. El llamativo diseño visual de Maul, además de su limitada participación en la película, ha causado que muchos aficionados quieran saber más sobre él-

Bravo por la creación de este personaje y bravo por Ray Park que lo consumó estupendamente.


Alexandra

DARTH MAUL - Creaciones supremas de maquillaje

Sesiones de makeup a cargo de Paul Engelen. Utilizó una base llamada Mehron, luego le suma los diseños en rojo y negro utilizando Acquacolor.

Una vez terminado el maquillaje, le pega los cuernos usando Derma Wax. Las lentes de contacto fueron realizadas especialmente por Richard Glass de Londres.

Nadie lo duda, la creación del personaje de Darth Maul es uno de los logros más significantes de la historia del cine fantástico y de ciencia ficción, basado en este caso en la composición del personaje que centra la atención en la caracterización con un maquillaje excelso. El maquillaje artístico es una obra de arte, requiere de expertos talentosos y muchísima paciencia

Ray Park, el actor que interpreta el personaje, es un artista marcial que fue convocado por George Lucas para que coreografía las contiendas de Episodio I La Amenaza Fantasma. El director y los productores quedaron sorprendidos al ver que Park coincidía con lo que habían pensado para el rol de Maul. Y en vez de contratarlo para que coreografíe, lo metieron en el rol, con un detalle: debido a que Park no es actor y su pronunciación es mala tuvieron que doblarlo, pero eso no preocupó demasiado puesto que el personaje en sí habla muy poco.

Como construcción del personaje es exquisito dentro de este tipo de género fílmico. Se puede decir que es único e irrepetible. Dentro de la galería de personajes de Star Wars, y dentro de la categoría de los denominados "Lords de Sith", Maul es la perfección llegando incluso por momentos a opacar a Darth Vader. Es que lograron mezclar maldad, exotismo, oscuridad y charme. Uno no puede dejar de mirarlo. En cuanto a Ray Park no podemos pedirle más pues es excelente en lo que hace, su refinamiento en las artes marciales chinas es notable, tiene un sello personal, aunque manifiesta que el estilo de Kung Fu que más desarrolló es el llamado "Butterfly".

Tiene todo su cuerpo tatuado en negro y rojo, con antiguos diseños Sith. Posee diez cuernos distribuidos en su cabeza, ojos serpentinos y filosos dientes que le dan un aspecto aterrador.
Porque él es uno de los pocos Sith que no ha pasado por el lado Jedi, por lo tanto es un Sith puro (razón por la que le pusieron el nombre de Maul, en honor al Sith puro Maul Ororchi).

Su vestimenta tiene "charme": en la película hace tres cambios de vestuario. Parecen todos iguales pero no lo son. Usados en tres escenas clave: el más conocido usado durante el llamado "Duel of Fates" cuando se enfrenta a Qui Gon y Obi Wan Kenobi, consta de una inmensa capa de algodón prelavado, de color negro, que lo cubre de pies a cabeza, debajo lleva una casaca con pliegues en el pecho, ajustada por un ancho cinturón, y pantalones tipo "afgnanos" ajustados a la altura de las botas. El otro traje es usado en la escena denominada "Balcony Whispers" cuando Sidious le da las instrucciones de perseguir a la reina Amidala. Se aprecia una capa interna de algodón más finito, debajo de la gran capa.

El otro traje es usado en la corta escena denominada "Desert Duel" cuando se enfrenta a Qui Gon en el desierto de Tattooine. Es una creación maravillosa y da pena que no la hayan mostrado más tiempo en pantalla. Utiliza una amplia capa de doble vuelo de algodón twill completamente plisada, de color azul profundo, con gran vuelo. La capucha es amplia y se abulta en la parte posterior. De los hombros de la capa parten dos mangas que se cortan a la altura de los codos para continuar con extensiones de tela hasta más allá de sus muñecas, dejando ver la camisa que lleva debajo, con mangas abultadas y ajustadas a la altura de los guantes. Viste un pantalón que recuerda a los usados por los guerreros medievales japoneses. Las botas fueron diseñadas por Frank Thomas, modelo llamado Apollo Boot Gore 102.

Alexandra

Richard Roxburgh, de profesión, actor - Parte 1

No es mi propósito crear un fansite, sino dar un espacio a un actor de sólida formación y con una estupenda carrera. Mi fascinación por el arte dramático me lleva a observar en los teatros o en cine el carisma de los actores y averiguar cómo se formaron y lo que hacen. El monstruo hollywoodense suele triturar a muchos de ellos, yo no los culparía, hay tanto dinero de por medio que es muy difícil resistirse a la tentación, pero lo que me parece admirable es transitar por esa máquina de sueños y continuar con la carrera artística sin que ésta se arruine. No me quiero transformar en una especie de fiscal de este actor, pero he leído en internet muchas críticas negativas a algunas de sus actuaciones en cine, lo cual me parece falto de fundamentos sólidos, y generalmente teñido por un desconocimiento de lo que es la labor actoral. Es el tema de la creación de un personaje. Roxburgh fue injustamente atacado por su interpretación de "Dracula" en el film "Van Helsing". Un actor y su actuación pueden o no gustar, esto no se puede negar, es inevitable. Pero he notado que la mayoría de los críticos de cine se atan a los clichés, y todo aquello que sale de éstos, es tomado por extravagante y extraño. El caso que traigo acá es el del cliché llamado "Conde Drácula". Desde la aparición de la novela de Bram Stoker, se han hecho cientos de películas sobre el mentado conde. Quien haya leído la novela notará con gran sorpresa que este conde es el gran ausente de la misma y tal vez en ello se puede reconocer la fascinación por el mismo. Stoker tomó elementos de la historia real de Vladislav Dracula, voivoda (el monarca militar del principado de Valaquia en la antigua Rumania del siglo XV) con elementos de su época. Y a su vez, todo su discurso fue reinterpretado por guionistas y directores de cine, para construir la imagen de Dracula, la cual quedó fijada a fuego con la interpretación de Bela Lugosi en 1931. Y luego sucedió un fenómeno: cuando en 1994 Francis Ford Coppola decidió hacer el film ajustándose al máximo a la novela de Stoker, y Gary Oldman interpretando este rol, se produjo un nuevo molde, considerado único e irrepetible, por lo cual quita la posibilidad a otros actores de crear. Resumiendo: si no ven un Dracula según Lugosi o según Oldman, no es Dracula. Esto le pasó a Roxburgh. En muchas entrevistas confesó que deseó hacer su propia composición del personaje, sin teñirlo con los matices de otros actores. El fenómeno según mi criterio se halla en la visualización de Dracula. Como le quitó el "barroquismo" de Oldman, y la formalidad europea ahistórica de Lugosi, su interpretación fue tildada de "mala", lisa y llanamente. Será porque en el film solamente dos veces muestra los colmillos y sus ojos en vez de rojos se vuelven blancos como los de los perros siberianos? Será porque despojó de todos los elementos que la gente se empeña en adjudicarle a Dracula? Será porque una sola vez toma la cruz y ésta se le incendia en la mano? Será porque una estaca no lo mata? Será porque se vistió sencillamente con una chaqueta abrochada con alamares y unas botas de caña alta sin mayores adornos salvo una hebilla que sujeta su espeso cabello castaño oscuro? No se lo perdonaron. Cómo no iba a llevar túnicas extrafalarias, morder cuellos a cada instante, hipnotizar a todo el que desee, moverse según lo indica Oldman o Lugosi? Ahora Dracula dejó de ser él mismo para ser Oldman o Lugosi. Y si alguien como Roxburgh se atreve a hacer algo totalmente diferente, no se lo perdonan. Continuaré luego con esto, defendiendo con fundamentos la interpretación monumental de Roxburgh.

Richard Roxburgh, de profesión, actor - Parte 2

Tomaré solo tres composiciones del personaje, porque se me antojan las mejores: la de Gary Oldman, la de Richard Roxburgh y la de Gerard Butler. No me interesa repetir lo que hace cien años se viene diciendo del personaje sino tratar de analizar como lo construyeron estos actores a partir de los arquetipos que sofocaron toda posible creación, sin quitar mérito a los grandes del pasado (Max Schreck, Bela Lugosi y Christopher Lee) pero precisamente estos grandes actores le pusieron un corsette al personaje del cual es muy difícil despegarse, por ello tomo estos tres que menciono para ver como pensaron y construyeron en personaje. En esta primera parte tomo a la interpretación de Richard Roxburgh. Fue muy cuestionada precisamente por lo que acabo de explicar, el actor no quería repetir arquetipos, esos "corsettes" que encasillaron al personaje, sino hacer su propia creación, su visualización de Drácula. Por haberlo despojado de los clichés como ser la mostración constante de colmillos, de sangre, de transformaciones corporales monstruosas, y asimismo elegir un vestuario que está en clara oposición al barroco usado por Gary Oldman, máscaras de látex, y otros, prefirió recurrir a otros elementos innovadores como ser caminar desafiando la gravedad, vestir sencillamente, utilizar diversos tonos de voz (de hecho utiliza al menos tres inflexiones por su capacidad de modificar octavas), no hablar en rumano sino en un inglés que está pronunciado por un extranjero (aprendió rumano por fonética y luego entendió cómo hablaría un rumano el inglés), no está obsesionado por encontrar al amor de su vida sino por darle vida a su progenie, no usar las frases trilladas ("Escuche a los hijos de la noche, qué música dulce entonan...", "Yo no tomo.........vino", "He cruzado océanos de tiempo para encontrarte", "Mi vida cuanto mucho es miseria"... ) al parecer en clara oposición a la composición de Gary Oldman. Si bien el actor dijo haber estudiado las actuaciones de Bela Lugosi, Christopher Lee y Gary Oldman, dijo que él crearía su propio Drácula. Esto no fue perdonado por muchos espectadores acostumbrados a los clichés y estereotipos. Después de todo, ninguno de los Dracula que vemos en el film luce como debió haber lucido el original voivoda rumano del siglo XV. Se desprestigió su actuación diciendo que es amanerado, extravagante, con frases absurdas e innecesarias, que no inspira miedo, que es infantil, en resumen no creíble. Remarco que un sector del público pensó esto, es precisamente ese público que no puede desatarse del molde creado por Bela Lugosi y luego por Gary Oldman.
La interpretación de Roxburgh es fenomenal artísticamente hablando: su capacidad actoral no puede ponerse en duda, es un deleite escuchar el trabajo vocal que hace subiendo y bajando octavas de su voz, acelerando o frenando la dicción en varias modalidades, con un impecable acento de un rumano hablando inglés, haciendo ademanes que desconciertan, mostrando una apatía respecto del enamoramiento, una falta de sensaciones, por momentos una ataraxia.